Comment développer le niveau ?

De nombreux étudiants en art du secondaire (comme ceux qui étudient AS ou A2 Level Art & Design) doivent présenter un portfolio de cours ou d’examens qui montre le développement. Les étudiants sont parfois confus quant à ce que signifie le terme « développement » dans ce contexte, et ils ne savent pas comment ils devraient y parvenir. Cet article s’efforce de répondre à ces questions et fournit un processus par lequel les étudiants peuvent s’assurer que leur travail se développe suffisamment. Il s’agit d’un guide général seulement et ne doit être utilisé qu’en conjonction avec les conseils de votre enseignant.

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Si on vous dit que votre travail doit montrer du développement, votre professeur vous dit que votre travail doit changer un peu (à la fois dans l’utilisation des médias et de la composition) d’une pièce à l’autre. En d’autres termes, un portfolio de cours d’art A Level doit raconter une histoire visuelle : avec un point de départ, une conclusion et un voyage dans entre. Il n’est pas acceptable, par exemple, de montrer les mêmes choses dessinées ou peintes sous différents angles encore et encore, ou d’exécuter la même composition d’abord en pastel, puis en peinture, puis en charbon de bois, etc. ou de soumettre des peintures de nombreux objets différents qui n’ont aucun lien visuel ou thématique à chaque autre.

« Développement » signifie travailler systématiquement vers de meilleures œuvres d’art : essai, affinage et exploration de dispositifs et techniques de composition, démontrant aux examinateurs que vous avez traversé un processus d’apprentissage et que vous êtes parvenu à une pièce finale réussie.

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Par exemple, le processus suivant a été entrepris par mes étudiants A Level Painting (ce processus pourrait être facilement modifié pour la conception graphique, la photographie ou la sculpture) au cours de l’année :

1. Sélectionnez un sujet de niveau A original, pertinent, visuellement complexe et prêt à être disponible ou qui peut soutenir votre intérêt pendant une année (voir le guide d’accompagnement : comment choisir un bon thème Art de niveau A) ;A Niveau Art page de carnet de croquis par Nikau Hindin

2. Complétez 4 à 10 dessins du thème choisi dans votre carnet de croquis A Level Art , en utilisant une gamme de supports noir et blanc et colorés tels que crayon graphite, encre de Chine, acrylique, crayon coloré, aquarelle, huile. Le niveau de réalisme atteint dans ces dessins dépendra de votre propre style de dessin et de vos préférences. Mélanger et caler les médiums selon le cas. Inclure des photographies si désiré. Les dessins peuvent être semi-incomplets et peuvent fusionner les uns dans les autres. À ce stade, ne vous inquiétez pas tellement de ce que vous réalisez en termes de composition. Vous effectuez simplement des recherches visuelles et explorez votre sujet.

3. Combler les lacunes autour des dessins avec des notes sur votre thème, votre problème ou votre message … pourquoi cela vous intéresse personnellement ; ce qui vous plait visuellement à propos du sujet ; comment le sujet pourrait être composé afin de soutenir ou de transmettre vos idées. Regardez attentivement ce que vous avez dessiné et prenez des notes sur la façon dont les éléments visuels (ligne, tonalité, texture, espace, couleur, etc.) interagissent… Par exemple, existe-t-il de forts contrastes entre les zones très détaillées et les zones clairsemées ? Les espaces négatifs sont-ils aussi intéressants que les objets eux-mêmes ? Y a-t-il des répétitions de certaines formes et couleurs ? Vous explorez des cadres dans des cadres ? … Essentiellement, établissez visuellement ce que vous avez affaire.

4. Sélectionnez un modèle d’artiste dont le travail se rapporte à votre sujet et vous inspireCette page de carnet de croquis A Level Art montre une enquête sur l’œuvre de Janet Fish par Nikau Hindin, étudiant en peinture A2 . Recherche sur cet artiste. Complétez plusieurs pages de votre carnet de croquis A Level Art, y compris des études de composition, des imitations et des pastiches de leur œuvre, en utilisant une gamme de supports. Remplissez les espaces autour des illustrations avec des notes expliquant/discutant de leur technique/s (méthodes de marquage) ; utilisation de médiums ou de matériaux ; style ; composition (c.-à-d. la relation entre les éléments visuels : ligne, forme, couleur, ton, texture et espace. Discutez de la façon dont ces éléments forment des « dispositifs visuels » qui « attirent l’attention », « soulignent », « équilibre », « lien » ou « dirigent le spectateur à travers l’œuvre d’art », etc.). Écrivez des notes sur les idées, les humeurs et les sujets explorés dans les dessins et comment tout ce qui précède est lié à votre sujet ou thème. Vos commentaires doivent démontrer que vous avez fait des recherches sur votre artiste (en utilisant une terminologie appropriée) et devraient également contenir vos propres pensées et réponses. En aucun cas, il ne devrait sembler que vous régurgiter des informations provenant d’un manuel. Apprenez de cet artiste et établissez comment cet artiste est pertinent ou utile pour votre propre projet.

5. Terminez 10 à 15 dessins et peintures qui montrent une transition en douceur entre vos œuvres d’art originales et les images influencé par votre premier modèle d’artiste .

Ne sautez pas et copiez tout ce que fait l’artiste. Il se peut, par exemple, que vous copiiez simplement la façon dont un artiste particulier utilise le premier plan, le milieu et l’arrière-plan, ou la façon dont ils appliquent de la peinture sur une surface rayée et irrégulière. Le but de cet exercice est d’apprendre des techniques particulières ou des stratégies de composition — et non de copier leur œuvre dans son intégralité. Le résultat devrait être une série de peintures qui montrent des changements progressifs et de l’exploration. Après chacun, vous devriez avoir une discussion avec votre enseignant sur ce que vous pouvez faire à côté pour aider à transmettre vos idées avec plus de succès.

6. Lorsque vous avez appris tout ce que vous devez du premier artiste, sélectionnez un autre artiste et répétez le processus . Une fois que vous avez appris de cet artiste, répétez à nouveau. L’intention est qu’au moment où vous arrivez à votre dernière pièce, votre travail est une belle combinaison de vos propres idées et de l’influence de plusieurs autres. Votre travail doit avoir l’air absolument original — un beau mélange de sagesse acquise à partir d’une multitude de sources. Il peut s’avérer une bonne pratique de choisir une gamme de modèles d’artistes — nationaux, internationaux, contemporains/historiques etc… mais cela n’est pas toujours nécessaire. Les meilleurs résultats se produisent lorsque les élèves choisissent des artistes dont le travail les déplace vraiment. Il peut être typique pour un étudiant AS d’avoir 2 à 4 modèles d’artistes et les étudiants A2 d’avoir 3 à 10 modèles d’artistes.

Voici un portfolio de peinture A Level (A2) bien développé par Nikau Hindin, un étudiant talentueux A Level Art de l’ACG Parnell College. Son portefeuille de cours A2 a atteint 98 %.

A2 A Level Art Coursework : des œuvres d’art purement observationnelles à des compositions complexes qui communiquent clairement un message.

Vous n’êtes toujours pas sûr ? Voir nos projets artistiques vedettes vous aidera également à comprendre comment développer vos idées au sein de votre travail.

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